大地艺术 Land Art(又名 Earthworks 或 Earth art)源自于美国60年代末期至70年代早期之间一种艺术运动。
艺术家们以自然景观及天然素材进行创作,是一种艺术与大自然的结合,并非将自然景观进行重新翻改,而是以原有的面貌进行装饰,使人们重新注意、接近、讨论大自然。
1938年出生于新泽西州的罗伯特•史密森是美国非常著名的大地艺术家,他认为工业文明带来了很多负面的结果,“冰冷、空洞、陈腐”主宰着美国的城市,所以他希望能与大地对话,并开始寻找新的创作方式,逐渐成为大地艺术家中的代表人物。
▲创作于1970年的名作“螺旋形防波堤”(Spiral Jetty)
作品延伸了盐湖城先民的一个古老传说——盐湖通过一条暗流与太平洋相连,这条暗流不停吸入流水,在水面上形成了许多强大的漩涡水纹,这个传说使这件大地艺术巨作披上了神秘的色彩,同时作品也表达了作者希望回到自然的荒野中去,寻找人与大地和谐的关系的迫切愿景。
它神秘的标志性景观如同在蓄意模仿新石器时期英国的史前建筑:英国河岸的埃夫布里和巨石阵。它还拥有美洲的祖先:秘鲁的纳斯卡线和俄亥俄州的巨蛇山。
他也是很早将“镜面”材料与自然景观相结合的艺术家。他将一定带有人类文明和人类制造的材料融入到大地艺术的完成过程中,从而获取一种全新的视觉景象。这类作品后来被重组到美术馆里,也对后来的新造型主义雕塑产生了深远的影响。
克劳德夫妇的“包裹艺术”和“大地艺术”中最为人熟知的是将物体包裹在帆布、塑料布、绳索等之下,呈现出一种隐喻与显露的矛盾状态;而包裹物的体量也从最初的桌子、椅子、自行车以及他自己的绘画作品抑或是人体本身,转变为美术馆、博物馆甚至国会大厦,这种体量的变化让克里斯托的作品带有了宏伟而强大的美感,在建筑本身形态的影响下,包裹的手法又隐去了建筑中繁复精美的装饰只留下大的轮廓,仿佛带有讽刺意味却又并未针对任何事物,矛盾感和神秘感便成为了克里斯托艺术语言的感官化描述。
克劳德夫妇的作品都是“浩大工程”,他们对每个项目作品都有详实的记录和图文呈现,这样的大型项目都是多方部门共同完成的结果。但他们经年累月,苦苦经营的作品,最终多在自然界中消失得无影无踪,没有留下任何痕迹。
克里斯多说:“我们的作品都有关自由,自由的敌人是拥有,因此消失要比存在更永久。”
▲Valley Curtain 1972 (USA)
▲Wrapped Reichstag1971-1995
1957年出生于英国,高兹渥斯的艺术属于1960年代的大地艺术(Land Art)运动:反对局限风景画的方形画框,或公园内、政府机关前装饰用的户外雕塑与壁画,以自然为工具、材料、主题,用作品表现工业进步中被破坏的自然环境及因果报应。以周遭既有的素材创作、探索文明与自然的关系。
由于使用天然的材料,他的作品与周遭环境看来十分协调,几乎像是自然的一部份;但停留在空间内静止的几何造型、作品与自然强烈对比的颜色与线条,却更像是违反自然法则的现象。作品由于自然环境的自我变化,是暂时性创作的,过段时间就会自我消亡,取材于自然,最终又回归自然。通过纪录,Goldsworthy 将变化纪录下来,向人们展示自然的伟大力量和人类存在的短暂与渺小。
理查德•朗是一个英国艺术家,与美国大地艺术家相比,他的作品更为单纯、朴素和优美。他自称他的目标是“轻轻地触摸大地”,做自然的守护者,而不是自然的开发者。
他会把一部分在自然中完成的作品,石块、土块,按照当时在自然界中完成时的形态记录、画图、标号、拍照,再写好制作手册,带回到美术馆,然后再在美术馆里进行重新组装,产生二次创作。
迈克尔•海泽以其作品的巨大规模和创新材料而闻名。他将传统的雕塑语言引入大地艺术中,使环境与作品完美结合。对岩石、土地及沙漠景观的利用,构成了海泽艺术创作的核心美学。
▲《内华达的九个洼地》
沙漠的表面被挖出一组浅坑,看上去类似素描中的抽象形体。
▲《双重否定》
这幅作品同样是荒原。当推土机在那原始的土地上推出第一道凹槽的时候,我们感到了第一重否定——即人工的机械的现代的力量对原始的自然的否定;但随着这一工程的进展,大量的挖掘机和推土机在大地上开掘出深15米,长400多米的巨大沟壑的时候,我们感到了第二重否定——即自然的力量对人的机械的力量的否定。大地此时被海泽的作品敞开,它通过这一作品所建立的“境世界”涌现出来。它的深厚和悠久被作品带入存在本身的澄明和诗意之中。它的岩层是亿万年沧海桑田的产物。它是不可动摇的东西,而我们只是它的表面上一层短暂的微生物而已。双重的否定带来肯定——对大地的肯定。
Rune Guneriussen作为一名概念艺术家,探索了人类文化和自然之间迷人的平衡创造了电灯、叠书、椅子和电话的室外装置,这些装置仿佛聚集在一起,成群结队。
作品都是以摄影的形式在美术馆和画廊被展出,但是在北欧神秘的大地背景内容衬托下,作品画面呈现出童话般的气氛。
他的作品主要是让自然与生活中的元素相结合,从而得到视觉效果上的强烈反差,吸引关注。他坚定的认为,艺术本身就应该是被质疑和令人眼花缭乱的,他希望自己的作品能招到人们的议论与推敲,而不是自己去讲解作品的意义,毕竟每一个人对于艺术的理解与感悟是不一样的。
李明浩将拍摄对象与拍摄环境分开,给观众造成介于“真树”和“绘画的树”之间的一种错觉。这从某种程度上来说打破了人们固定模式以及程序化理解的定式。
李明浩作品独特之处就是由拍摄对象的分离与分离的确认形成的。分离的确认是指通过割裂拍摄对象和背景,以确保构成引起错觉的摄影行为以及图片中拍摄对象与原环境分开的尺寸比例。这样在方形白帆布的映衬下,真树看上去就像是画在帆布上一样。
来自美国堪萨斯州的斯坦•赫德被誉为“大地艺术家”、“农作物艺术家”,其作品被称为“Earthwork”(大地艺术)。他的作品以自然大地为画布,利用土壤、砖块、栽种修剪植物、铺设岩石和有机覆盖物等方式,通过颜色和高低的变化形成大型画作。从近处看,与普通的农田没什么不同,但远远望去,它就如同神奇的麦田怪圈,形成一幅惊人的画作,令人叹为观止。
Stan Herd说:在创作过程中,一些植物被鹿群吃掉,被风吹倒的也不计其数,但这才是最自然的画作。
他的第一幅地景创作完成于1981年,在约65万平方米的麦田上,“画”的是抵抗欧洲入侵者的,基奥瓦人领袖Satanta的肖像。
1993年,在堪萨斯州艾奇逊市,他创造了美国第一位独自飞越大西洋的女飞行员Amelia Earhart的肖像,1937年,Amelia Earhart首次环球飞行,在飞越太平洋时失踪。
他最爱的艺术家就是梵高。1889年11月秋,他在圣雷米完成了梵高的《橄榄树》,
并将这幅画复制到明尼苏达托机场附近的1.2英亩的土地上。
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