人物丨你们最爱的日本影像大师/杉本博司
2018-09-10
来源 : A&C Foundation

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杉本博司是国际上最知名,也是身价最高的亚洲摄影师之一。在今年的影像上海上,『焦点』特展聚焦日本知名影像艺术家杉本博司。『焦点』版块旨在聚焦对当代摄影空间和当下市场具有特别意义的国际知名艺术家,此次选择杉本博司作为本次博览会主推的日本艺术家,可见其市场地位和影响力。


Hiroshi Sugimoto is one of the most famous and highly-valued Asian photographers in the world. This year, PHOTOFAIRS Shanghai select him as the featuring artist to present at the “Spotlight” chapter. This chapter indicates cutting-edge trends and on-going influence in the art scene.


你不太熟悉的杉本博司的另一面


杉本博司1948年出生于东京下町的御徒町(今台东区),家中是银座经营有成的美容用品商社“银美”,父亲为企业家。他在少数未受空袭轰炸的地区成长,自认是战前日本人。对于战后的破败与前途的渺茫感知,是杉本博司在立志成为一位摄影艺术家之前所残留的记忆。这种记忆所造成的宿命感,导致日后杉本博司在艺术创作上对于“真实”与“人性”丝毫不悯——几乎所有看过杉本博司作品的人,都会被他刻意营造的真实冷酷的一面所打动。


在母亲影响下,杉本进入私立基督教名校立教中学接受西方的油画与雕塑等美术教育。高中时期,他就参加了摄影社。基于将来可能继承家业的考虑,大学就读立教大学经济系。 70年代正逢日本学运风潮,大学毕业的杉本博司无继承家业之意,在母亲同意下赴美。杉本博司1970年到美国加州留学时,嬉皮运动伴随着60年代的各种街头反抗的喧嚣刚刚散去,迎接他的是70年代在加州兴起的一股反文化潮流,年轻人认为西方的物质主义发展过度,开始走向东方神秘主义。在洛杉矶艺术学校学了4年摄影,1974年大学毕业后,杉本博司开着他的大众牌房车,装上了家具,带了几个朋友,横穿美国,到纽约寻求发展。当时的纽约,正值世界艺术的中心,美国艺术界的波普艺术风潮虽然刚刚告终,但极简艺术和观念艺术等知性氛围正在兴起,纽约的氛围冲击了杉本博司,使他认真地思考并确定了将艺术创作作为人生的发展道路。

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1975年,他拿到了古根海姆奖学金,开始到美国各地旅行,拍摄《剧院》系列。1976年,他拿到了美国政府出资的美国国家艺术基金会奖学金,得以旅行全世界,开始拍摄《海景》系列。同年杉本博司发表首组作品《透视画馆》系列,确定了他透过摄影将时间与历史可视化的创作主题。1977年,杉本于日本南画廊举行首次个展。1980年,杉本于纽约Sonnabend艺廊举办首次海外个展,并陆续在洛杉矶现代美术馆、纽约大都会艺术博物馆、德国古根汉美术馆、法国卡地亚基金会等地巡回展出,受到高度评价。透过杉本博司的创作,原本被视为低自由度的摄影媒材,展现了新的可能性。2001年,杉本获颁素有“摄影诺贝尔奖”之称的哈苏相机基金会国际摄影奖,他是获得此奖的第二个日本人。

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▲“透视画馆”系列


2005年,日本东京的森美术馆举办了一个极为重要与成功的大型摄影回顾展——时间的终焉(End of Time),展出杉本博司横跨1975至2005年的30年各个时期的不同系列作品,为数100件以上,同时展出新作和未公开发表过的作品,是他一生作品最为完整的呈现。2009年,杉本博司创立下“小田原文化基金会”并开始构想自己心中的自然空间“江之浦测候所”,自构思到落成,杉本博司花了多年的时间,它融贯了杉本博司的毕生心血与艺术理想。杉本博司希望观众能在这里回归初心,通过自然来思考自身与这个世界、宇宙的关系。

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▲江之浦测候所•夏至光遥拜长廊


系列、哲学、真实


杉本博司从70年代开始创作到现在。在40多年的摄影生涯中,其作品最显著的外在特点,便是绝大部分都是由数十幅大尺寸照片构成的“系列”,如70年代的“透视画馆”(Dioramas)系列、“剧院”(Theaters)系列、,80年代的 “海景”(Seascapes)系列,90年代的 “建筑”(Architectures)系列、京都三十间堂 “佛海”(Sea of Buddhas)系列、蜡像馆“肖像”(Portraits)系列,以及进入新千年之后的 “概念形式”(Conceptual Forms)系列、“闪电原野”(Lighting Fields)系列、“影之色”(Colors of Shadow)等等。虽然这些系列题材各不相同,但时间、记忆、梦想以及历史的摄影主题却一直贯穿其中,杉本希望用照片来呈现记忆的深层。这些系列展现出了不同于其他日本派的摄影风格,他的作品非常平静,黯淡的画面给人一种冷冷的感觉,可是却使无数人驻足于他的作品之前,这就是日本美学的魅力所在。

▲ “剧院”系列


摄影术的出发点在于捕捉某一瞬间的影像。然而杉本博司却一直在探索时间、物质、存在、记忆和永恒。换言之,都是与摄影术的初衷相悖的事物。《海景》系列源自探寻人类对于海洋的共同记忆,之后的《肖像》、《剧院》系列,无一不是围绕这些近似哲学命题的主题。艺术家借助冷峻的摄影技术,将原始机器的冷静质感突显在了摄影作品之中,以一种沉默、消逝的时间视觉展示出了零度机器的诗意。


从1975年起,杉本博司就开始了在美国自然博物馆的拍摄。他所选择的自然标本场景都是根据建造人员在实地考察中拍摄的真实图像来重建的仿造景观。透过摄影机镜头,这些没有生命,静止不动的仿造物又重新获得了真实的活力。在这样的艺术观念创作过程中,一种生于假象的诡异的现实重新被塑造。通过这一系列作品,杉本博司对现实世界神秘又无可言说的本质进行了深刻的探索。

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▲《自然历史博物馆》系列作品


在七十年代的现代派向后现代过渡的摄影风潮大环境下,杉本博司选择了与Walker Evans等同时期美国摄影师所坚持的真实还原物体本来面目,创造不加任何美化和人为痕迹的图像的现实主义摄影观截然不同的视角。他的兴趣更在于探索事物的真实性与其假象的关联。他认为摄影真实的还原和复制现实的本相这种一贯的阐释已经存在了超过一百五十年,但在他内心深处想通过摄影表达的却是一种相反的观念,与某种层面的假象相关联的观念。但他对艺术的思考又存在一种双面性,让他同时相信客观真相和它的不可能性。他相信一个纯粹真实和绝对真理的的世界独立存在与人的文明与社会以外,但在摄影里面却没有这种真相,摄影机唯一能做的只是不去说谎。


叫好又卖座


尽管处事有着日本人一贯的谨慎和低调,杉本博司却是各大国际拍卖行最为青睐的摄影红人。从1974年初涉摄影至今,他的作品价位一路走高,作品横扫国际各大拍卖会,创下的亚洲当代摄影拍卖纪录至今尚无人能超越。在英国《泰晤士报》公布的20世纪200位最伟大艺术家排行榜中,他是日本4位上榜艺术家中唯一的摄影师,其他三位分别是:村上隆、草间弥生和野口勇。


他的《海景》系列作品看起来像毫无任何技术性可言,像极一般风景快照,但却是他所有创作中,最为费时且困难度最高的作品,也是他的所有系列作品中,卖得最贵的一个系列。2008年,杉本博司的三幅海景联作《Black Sea, Ozuluce/Yellow Sea,Cheju/Red Sea, Safaga》于纽约拍出165万美元的高价,创造了亚洲当代摄影作品最高纪录。在公开拍卖纪录中,《海景》系列即占了十大高价中的七位。

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▲《Black Sea, Ozuluce/Yellow Sea,Cheju/Red Sea, Safaga》


杉本博司的作品也受到很多其他领域艺术家的青睐。叱咤摇滚乐坛30年的爱尔兰乐队U2推出的大碟《No Line on the Horizon》,就将杉本博司《海景系列》作品之一“博登海”选做唱片的封面。此前2006年,实验电子音乐家Richard Chartier和Taylor Deupree推出的专辑也选取了这张照片作为封面。

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▲爱尔兰乐队U2推出的大碟《No Line on the Horizon》


2010年,杉本博司个展首次在佩斯北京亮相。展览以50英尺、震撼性的《放电场》双连画开场,又以将19世纪石膏模型作为拍摄对象的《概念形式》收尾。而杉本最著名的《海景》系列,则位居三个空间的正中位置。2013年,大都会博物馆将馆藏珍品带来国家博物馆,举办“道法自然”大展,其中也有杉本博司《海景》中的一幅。2016年9月,重装之后的东京都写真美术馆以杉本博司的“Lost Human”大展开幕。展览以“人类与文明的终结”为主题,在两个楼层的硕大空间内,呈现杉本博司的3部系列作品:从上世纪70年代开始创作却是首次对外公开的《废墟剧场》《Lost Human Genetic Archive》与《佛之海》。而在摄影之外,他把政治家、渔民、宇航员的物品与个人自述陈列在一起,如末日之后的宣言,如给外星人的信,寄托着他浓缩于一瞬的整个世界。

▲ “海景”系列


作为观念艺术家,杉本博司选择了用摄影作为媒介进行表达,而且不同于一般的后现代艺术家普遍对工艺的轻视,他有着日本民艺美学传统中对工艺制作的执着与坚守,他恪守摄影的传统,用8x10的大画幅老式相机,精心研究银盐冲洗技术,这都保障了其将创作观念完美地转译成作品。高水准的作品为其获得了世界顶级画廊佩斯、高古轩等的青睐,而为其做展览的美术馆、博物馆、艺术机构等,也都是世界一线且遍布各地。杉本博司最终捕捉了人类心灵的精神世界,复原了某种可以形象化的记忆,这就是他的作品的价值所在。

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▲杉本博司拍的安藤忠雄的光之教堂


杉本博司与其他艺术家的不同之处


杉本博司生活在日本少数未受轰炸的地区长大,从小接受西方油画的艺术教育,并在美国留学毕业,后经过学习研究,成为著名摄影、艺术家师,其摄影观的建立、养成鲜少受到日本国内摄影圈的影响,是少数独立于日本摄影发展系统的摄影家。杉本博司虽接受的是完全的西式教育,却对日本对古美术、建筑、文学、历史的造诣很深,他将东西方史学、哲学和美学带入摄影,极致了摄影意义,企图使用照片呈现人类记忆的深层,将摄影作品提升至艺术品层次。

▲《闪电原野》系列


在世界已极速全球化的今天,日本世界级的当代艺术创作中,除了草间弥生的波点、奈良美智的孩子脸、村上隆的卡通、名和晃平的鹿、宫岛达男的装置等外,自然少不了杉本博司的摄影。杉本博司受到了日籍摄影师在艺术界所不曾有过的礼遇,这可能源于他创作的世界性:以时间作为创作核心,思考人类意识和记忆的起源。其创作超越了东、西方的哲学,既有黑格尔、康德、马克思的思考,也有东方禅宗的意境,而其最终凸显的,是人类的存在及意义。


虽然是日本艺术家,但杉本博司没有拘泥于其自身东方文化、身份的探索,也没有对美国当时的社会现状进行回应,而是以一个更为宏观的视角,来看待人类历史,他探讨的是艺术如何与整个人类世界建立联系。这也是他当时区别于摄影师群体甚至是日本摄影师群体的另一个原因。

▲建筑系列作品


杉本博司所探寻的是一种将照相机和世界分离的观念。他所关注的不再是自身的问题,而是考虑和我们感知的观念世界的关系。摄影和人类的感觉并非是两种不同的东西,摄影只是延伸了我们面对这个世界的进程。


他的作品看起来也很容易学:虚焦,加上长时间曝光。《海景》系列花了20年时间,在世界各地拍摄大海,但拍出来的照片构图几乎一样,都是天、海将画面一分为二。他拍剧院,从放映起开始曝光,直到影片结束,最后的画面里原本黑暗的电影院被中间的屏幕光源照亮了,电影屏幕则因为曝光过度变成一片耀眼的白光。他拍建筑系列,想法来自于他觉得“建筑物是建筑的坟墓”,所以将焦点设在无限远,这些坚硬的庞然大物在他的镜头里就只剩下了一个模糊糊的影子,“拍下阴魂不散的建筑魂魄。”在以杜尚为师的杉本博司看来,如何把影像从拍摄的对象物的符号形式里抽离,从而创造出一个新的世界,这才是他所关心的。而对这种摄影语言的发明,才是他真正厉害所在。


结语:


杉本博司的成功不止因为他的摄影作品在亚洲人里拍卖价最高,更因为他的经历特别值得琢磨。这位世界级摄影大师将西方观念艺术同东方禅宗哲学结合,用摄影表现时间和记忆,给人无尽的思考。仅仅是一幅幅黑白的影像世界,却无比宁静震撼人心!

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