花了1小时排队看名画《夜游者》,却不认识背后的艺术家?/爱德华•霍普
2018-10-16
来源 : A&C Foundation

由芝加哥艺术博物馆、泰拉美国艺术基金会和上海博物馆联合举办的“走向现代主义:美国艺术八十载(1865-1945)”开展已有一段时间,其中最受关注的就是首次来亚洲展出的爱德华•霍普的《夜游者》。无一例外,为了一窥名画《夜游者》的真容,上博门口再次排起了长队。

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▲为一览《夜游者》上博门口排起的长队


《夜游者》背后的故事


爱德华•霍普的《夜游者》是芝加哥艺术博物馆的镇馆之宝,世界名画之一,被多次以不同形式借鉴、演绎。此前只在法国巴黎和德国展出过,这是其第一次在亚洲亮相。

▲张靓颖英文单曲《Dust My Shoulders Off》就引用了《夜游者》作为开场


特展开幕前夕,上海博物馆官方微博与芝加哥艺术博物馆官方微博共同发起了 “走向现代主义——名作抢鲜看”评选活动,邀请观众从12件重点展品中选出最感兴趣的一件展品。最终,爱德华•霍普的《夜游者》不负众望,以 41.6%的得票率当选观众最期待的珍品。


《夜游者》的创作时间是1942年,也就是二战期间,美国遭遇了珍珠港事件并向日本宣战。在此时代背景之下,家国城市都处于不安以及不确定的状态,这种情绪被黑夜无限扩大,让原本就有深夜徘徊习惯的霍普获得灵感,这件作品应运而生。


这是一家开在纽约格林威治大道街角上的咖啡厅。在大城市的一个深邃的夜晚,几个“夜猫子”正在“黑着眼眶熬着夜”。主画面里,餐厅内的环境被一面玻璃与外界隔离开,观众能看到里面的景象却无法探知究竟。背对的男子在思考着什么?红衣女子和身边的男人有没有关系?只能靠我们的想象去猜测餐厅里发生了什么,还是什么都没发生。


这件作品特殊的构图、冷暖色的处理,在大半个世纪里,确实击中了观众心灵上的共鸣——艺术家捕捉到了都市生活里茫茫人海中的孤独感。尽管后来霍普并不承认自己在刻意追求什么画面的孤立感,他只是享受着“夜游”带来的快乐。但同时霍普本人也表示“我深信这是我画过最好的画之一”。

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▲《夜游者》


在画作完成后,霍普与芝加哥博物馆达成一致意见,芝加哥博物馆用3000美金购买下这件作品,并一直馆藏于芝加哥艺术博物馆。


虽然《夜游者》这幅作品非常著名,但其背后的作者却没有像毕加索、梵高、伦勃朗一样被世人所熟知。也算是画红人不红的一位吧!


爱德华•霍普的成长轨迹


爱德华•霍普(Edward Hopper)是一位美国绘画大师,以描绘寂寥的美国当代生活风景闻名。属于都会写实画风的推广者,并被评论家称为垃圾桶画派(Ashcan School)。


“垃圾箱画派”是20世纪初美国形成的第一个现代艺术流派,它体现了美国艺术的独立性与创新性。垃圾箱画派对于美国艺术的发展具有深刻的意义。当时的美国艺术水平总体上落后于欧洲,垃圾箱画派无疑为美国的绘画界带来了革命性的改变。这一场革命并不是在艺术形式上有所突破,而是以传统写实主义在绘画主题上进行了一场革新。“垃圾箱”作品的绘画手法和风格仍然是传统和保守的,但主题内容上完全不同于以前的画作。他们追求画出“真实的生活”和社会现实。他们用灰暗色调的油彩在画布上描绘出社会各个阶层的喜怒哀乐。“垃圾箱”的作品所反映出的是一个真实的美国。


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▲爱德华•霍普自画像


霍普于1882年出生在纽约一个商人家庭之中,从小就性格孤僻。虽然他是商人的儿子,拥有一个舒适、殷实的童年,但其内心却时常感到局促不安。他曾写道:“孩童时期,我就感觉照射在房屋上面部分的光与照在低一点地方的光是不同的,当我看到上面部分的光时,我会感到无比的愉悦。”或许是他对光的敏锐和喜爱造就了其画中的光影特色。寂静的阳光、锋利的阴影营造了他作品中低明度、形式简约的风格特色,而这些光、影表现正是霍普今后笔下孤寂荒凉乡村景色的重要构成。


霍普希望成为一名艺术家,但父母坚持要他学习商业艺术以便在经济上更宽裕。而他并不喜欢这样的安排,但还是短暂地进入插画学校学习,这段经历让他明白自己并不适合商业领域的艺术创作。在盖尔•李文 的《爱德华•霍普:亲密传记》中,李文写到:“插画学校的学习经历让霍普意识到,他与商业的不相容就像是遗传了他父亲,注定无法在生意上取得成功。”在那之后,霍普进入纽约艺术学院学习绘画,当时他受教于罗伯特•亨瑞。亨瑞鼓励学生从令人厌恶的学院派路子上解放自我,采用写实手法表现美国城市。在霍普后来的作品中,虽然在绘画形式上没有完全秉承老师的意见,但不得不承认的是,这段经历给了他一种关于观察角度的启迪。在漫长的六七年间,霍普始终在做着与绘画相关的事,他不断地练习还留校任教,但带有“服务性质”的美术始终与他内心的期待相去甚远。

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▲《加油站》


1906年到1910年间,他曾三次到欧洲旅行。这段时间里他表现出了同龄人所少有的自律:没有太多的交际活动,也没有充分融入到当地艺术圈子,大多数的时间都消磨在画室和大大小小的博物馆里。


欧洲的这段经历让他接触到了大师真迹,同时给了他诗歌、文学中的浪漫情怀。但这些并没有见诸于作品中,反而是远走他乡让霍普越发知道自己所期望的是真正美国式的艺术。欧洲旅行回来後,爱德华在商业绘画领域中工作了几年,1925年,他画出了《铁道旁的房屋》,这幅作品成为了美国艺术的经典之作,也是爱德华一系列荒凉都会画作的开始,爱德华的画风也逐渐显露。

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▲《铁道旁的房屋》


1913年,霍普的画在当年那届传奇的军械库艺博会上大卖。可惜在之后的十年中,他的作品却再没有卖出。后来,在他四十出头时,邂逅了一位美丽的社会画家乔瑟芬。爱德华和乔瑟芬一起旅行、一起到海边作画,最终结婚。婚后,霍普专业水准大涨,虽然是在大萧条时期,但他的画开始大卖。不断有评论家评论他,博物馆开始买他的画,各种奖项络绎不绝。


尽管霍普已经获得成功,但他却非常内敛。几十年来他一直拒绝拿奖、拒绝演讲,在公众视野之外过着简单的生活,直至1967年,霍普去世。


孤独的内心图景


霍普看似是在逃离孤独,而实则却是在拥抱孤独。


霍普善于描绘对比强烈、色彩鲜明的光影,他对光的执着堪比荷兰黄金年代的那些大画家,但他的画所表现的光影与伦勃朗和维米尔又大相异趣。如果说霍普的光很孤独,似乎又不得其要领。孤独的是画中的人物,窗前的女子,餐馆里的顾客,沉默不语的夫妻,而光本身,和它触摸的物,物的影,无所谓孤独或热闹,冷艳与清淡。

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▲《上午11点》


对大多数人来说,窗户是很没有存在感的。但在霍普的作品中,窗是一个极其重要的元素,在霍普的不少作品中,都出现了人物从望向窗外的状态。观者可以感受到画中的场景是几近无声的,世界似乎只剩下人和窗,这又会让观者产生疑惑,究竟是人望着窗,还是窗望着人,此刻的光似乎变成了两者之间交流的媒介。对光线的精准把握和利用窗户透视人生无疑是霍普画作最具艺术张力的地方。在霍普的许多作品里都有窗,大大小小、深深浅浅,多数光线都从低角度斜长射入,留下满墙浓烈的影子,干净清朗、寂静透亮,弥漫着一种缄默、疏远的气息。

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▲《铁路旁的旅馆》


美国大萧条时期的共鸣


霍普早期的创作以乡村风景为主并极力避免任何风景名胜,海洋、沙滩、岩石、灯塔、帆船、农房等,关注那些真正的乡土风景以及乡土建筑。1920年后,他将注意力转向都市生活,以描绘美国人日常生活为主,开始建立起霍普式的独特美学。爱德华•霍普忧伤、自省的艺术创作,令我们管窥当时美国在经济、政治和美学方面的巨大改变,以及这些变化所引发的对现实主义的再思考。


在霍普的作品中几乎所有人物都来自于美国的中产阶级,即与他自己出身相同的阶层。他所关注的社会,也并非种族带来的矛盾,或是贫富之间的张力。我们看不到游行示威中的人群,却是最平凡的日常生活。这些画中人对自己的命运,带着一种消极接纳的姿态,在画家笔下呈现了一种诡异的平静。它们像发生在一个开放却幽闭的环境,戏剧化在这里被最大程度的淡化,时间也仿佛变成永久持续下去的直线。

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▲《自助餐厅》


有研究者曾发现,在爱德华•霍普的作品中从未有过孩童的出现,他仿佛执意将所有生命力和希望,从图像中抠走。在1926年的作品《周日》里,正是一种个人风格的演绎。画面里描绘了一个孤独的镜头:一个中年男子独自坐在被阳光照射的路牙上,抽着一只雪茄。在他身后是一排老旧的木质建筑,模糊的,昏暗的窗子让人推测是一些商店。在观察者的视角下,这个男人是情绪消沉的。他的身份并不明确,而场景也没有给出更多暗示。但是一种浓厚的苍凉感和遗弃感,让我们仿佛提前嗅到了大萧条危险的气息。

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▲《周日》


作为现实主义画家的霍普把笔触伸向了美国公众最真实的内心。空旷的土地、清冷的街景,孤寂的男女,繁华外界遗留下的失落的内心。与他对乡村题材的处理不同,他的城市作品几乎都采用了抽象的标题,仿佛在暗示地点并不重要:无论是纽约还是芝加哥,商店玻璃的尺寸和夜晚灯光的亮度都是一样的,这种模式化正是城市冷漠的面孔。


在整个大萧条时期,霍普的作品获得了前所未有的共鸣。他真实地反映现实,其中流露的情感一直持续到他创作生涯的末期。这种情感在他看来,是一种永恒的人类境况。尽管著名景点,流动的人群,摩天大楼是那个时期作品的符号性代表,他却对此表现出一种漠然。关注的重点始终脱离戏剧化的场景,其中没有末日也没有救赎,只是缓慢的、迟钝的、忧郁的挣扎。这种风格超越了画家个人的疏离,表现的是整个现代社会的孤独与忧愁。

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▲《清晨的太阳》


对大众流行文化的影响


霍普对大众流行文化的影响绝对不可忽视,最大的影响莫过于电影与摄影,而霍普对光线的运用则是导演和摄影师最为着迷的部分。


霍普喜欢电影,是影院的忠实粉丝,电影给予他绘画的灵感。他的妻子乔瑟芬曾透露说,霍普经常晚上一个人去电影院看电影来寻找灵感。正因如此,霍普的画看起来像摄影机镜头里的画面一样,处于俯视、窥视、或者无意间偷窥到的情景。画面中的人物自顾自地干着自己的事、沉思、过着日常的生活,不与观众产生任何交互活动。对电影和话剧的热爱,也让霍普创造了一系列剧院主题的油画作品。

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▲电影剧照VS霍普《纽约电影院》


他曾说“当我没心情画画的时候我会在电影院待上一星期甚至更长的时间。”霍普的美学在很多方面都体现了好莱坞的世界:镜头的装置、用光的明显对比、透视,这些都让人想起运动中的摄像机、画面电影胶片般的光滑质感和对空间的几何运用。他的图像常常影响电影行业的很多导演,其中包括希区柯克。希区柯克的电影向来以惊悚、恐怖氛围为主,这与霍普的绘画不无关系。相同构图、俯视、窥视,或者无意间偷窥的视角、相同光线的营造像极了霍普画里表现的那样锋利、热烈,产生一种压抑、紧张的气氛。


奥地利导演Gustav Deutsc也是霍普忠实的追随者,他曾将霍普的13副绝世名画拍成电影《13 个雪莉:现实的幻象》,电影从画面、构图到色调都高度还原画作。宏大的议题倚托几近静止的精美画面,借用雪莉段落式的内心独白,以女性视角解读美国20世纪初的重大历史时刻。除此,美国的公路电影也受到霍普的影响。

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▲《13 个雪莉:现实的幻象》剧照

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▲《纽约房间》


相比电影,霍普对摄影师的影响应该是更大的。有人曾评价霍普是从未摄影过的摄影师。无数摄影大师都拜倒于霍普的美学,如罗伯特•亚当斯、黛安•阿勃丝、威廉•埃格斯顿、沃克•埃文斯等。美国摄影师理查德•塔奇曼(Richard Tuschman)为致敬霍普创作了一组名为《Hopper Meditations》的作品,画面中的人物和故事都让人充满想象。霍普的构图带着古典主义的理智严谨,最擅长营造光与影的对比,画作中的光都异常明亮,但这些亮到诡异的光没有让人感觉到丝毫温馨,相反,它让画里的人透露出来一种无处倾诉的寂寥。不管画作中有几个人,他们始终在沉默,他们的眼中充满空洞虚无。强烈的光线让一切无所遁形,在这样的光影笼罩下,人即使面目模糊,也可以感受到力透纸背的孤独。

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▲Richard Tuschman《Hopper Meditations》系列


除了电影与摄影,霍普绘画中独特的格调也是时尚品牌的大爱。比如时尚界的老佛爷卡尔•拉格斐就曾受爱德华霍普作品的启发,创造了一系列优雅的画面来表现芬迪品牌服装和独特的手袋。霍普对大众流行时尚文化的影响到至今依旧有着重要的意义!


结语:


霍普的画中总是透着股美国现代主义小说的味道——陌生的群体,空落的街道,孤独的个人,像雷蒙德•卡佛笔下的家庭小说。而这其实就是那个时代下的真实写照。霍普像一面孤独的镜子般折射着那个时代文化背景与社会动荡,为我们留下了20世纪初纽约的光影与新英格兰乡村的风景。

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